El triunfo de lo muy feo

"Diálogos" se llama la muestra de Julia San Martín

"Very, very feo" dijo decepcionada una bella señora que pasó por mi lado después de ver la  muestra "Diálogos" de Julia San Martín en el MAVI (Museo de Artes Visuales), en Santiago de Chile.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

¿Por qué a ciertos artistas les gusta hacer cosas feas, insulsas y desprolijas? Quizás algunos espectadores tenemos la visión tan estereotipada de que el creador debe ser una persona de talento, que estas muestras -como la de Julia San Martín- nos generan mucha confusión, enojo y desconcierto.
Sospecho, también, que nosotros no estamos en condiciones de comprender que lo feo es importante en el arte. Todas las culturas han tenido una conciencia de lo bello en la naturaleza y que esta ha perdurado inalterable. Una puesta de sol ha sido bella tanto para el observador prehistórico como para el contemporáneo. Y con lo feo pasa algo similar -pero no confundamos- una cosa es lo feo y otra es la falta de talento para representar lo feo.
Sea como sea, el asunto es que Julia San Martín nos muestra su conocida producción (ya la ha presentado en otros espacios) siempre avalada y justificada por la inefable pluma de Raúl Zamudio Taylor, el curador "tropo conceptual".

"Muchas de las obras de arte incorporan ostensiblemente figuras recurrentes como un dispositivo formal unificador y tropo conceptual. A menudo, las imágenes parecen conversar entre sí o con el espectador mediante el uso de pronombres en elementos textuales que se encuentran en las obras de arte". 

Yo no quiero poner en duda la capacidad de la artista para pintar. Quizá lo hace muy bien y los pac-man que vemos son una lograda simplificación de lo que pretende cada ser humano: devorar al otro. Tampoco hay que confundirse porque no estamos hablando de los Diálogos de Platón, que pretendían por el intercambio civilizado de opiniones llegar a la verdad. En el caso de Julia, no queda claro cual es la finalidad de sus diálogos...

Exijo una explicación

La artista, el curador y el Sistema (galerías, museos, bienales, etc) siguen en deuda con nosotros; los simples y por momentos ingenuos amantes del arte. Tienen que explicarnos por qué se gastan millones del erario público en espacios sólo para el arte contemporáneo, por qué se elige a este tipo de artistas y por qué estos muñequitos feamente pintados son tan interesantes como para estar exhibidos en un lugar de privilegio, como podría ser el MAVI.
Esperaremos la respuesta very, very sentados.

Sobre estas líneas, quizá lo que más se rescata de la exposición.

La artista hablando de su obra.

"Que la gente entrara y esperara y saliera para poder hacer que la gente siguiera entrando..."

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11 jornadas de Arte de Transferencia en el MNBA Santiago de Chile

Los miércoles y jueves con mi atril en el hall del MNBA.

Han sido 11 encuentros con el arte y el público (desde el 17 de abril hasta el 23 de mayo). Una particular experiencia que tuvo como principal objetivo recrear la obra de arte en mármol más importante realizada en Latinoamérica. 
Gracias a la política de mediación del principal museo de Chile, este accedió para que interpretara "El Descendimiento de Cristo", de Virginio Arias, lo que agradezco... Tengo que destacar la espontánea participación de jóvenes y niños en la realización de la obra. Fue una gran experiencia.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

En el marco de Semana Santa, inicié el miércoles 17 de abril la reproducción (en dibujo y pintura)  de la obra “El Descendimiento de Cristo”, del escultor chileno Virginio Arias, conjunto escultórico realizado en 1887, y que se exhibe en el Museo Nacional de Bellas Artes. 

El público pudo presenciar de 11.00 a 13.00 hrs, la transferencia de una escultura a una pintura/dibujo; pasando del volumen a la bidimensionalidad. En el desarrollo del trabajo el público pudo dialogar con el artista y ser parte activa del evento. 

Quiero agradecer especialmente la participación en el proyecto de la periodista y fotógrafa Suzette Pancani, del escritor y videasta Daniel Ömar Begha que documentaron todo el proceso y a la logistica de Juliana Reveco. Esta fue una actividad patrocinada por el MNBA y que tuvo como objetivo acercar al visitante del museo al proceso creativo.

Este es un trabajo que hizo famoso a su autor en todo el mundo. Representa el instante en que Cristo yaciente, recién descolgado de la cruz, es sostenido. A sus pies, María Magdalena, aferrada a ellos, cubre con su largo pelo los pies de Cristo. 

Ximena Vega Lobos y Alvaro Huenchuleo: Regreso al paisaje

Alvaro Huenchuleo y Ximena Vegas Lobos

Dos pintores están exponiendo sus obras en Santiago de Chile, todas ellas paisajes rurales. Un tema que en la historia del arte pareciera secundario pero que perdura y ha pasado a tener en este siglo un inesperado protagonismo. En esto ha ayudado mucho la toma de conciencia a favor del medio ambiente y en especial porque los hábitat rurales siguen estando en el inconsciente colectivo de la humanidad. Todos venimos del campo.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas 

A todos nos fascina la naturaleza en su estado más salvaje. Esta geográfica con sus mares, ríos, árboles (sin planificar), arbustos, cielos, olores... tan diferente a una gran ciudad.
En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a poco cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo de escenas de otros temas (histórico o retrato) hasta constituirse como género autónomo en la pintura holandesa del siglo XVII. El paisaje también ha sido un motivo esencial para la pintura japonesa.
Ximena Vega Lobos y Alvaro Huenchuleo inauguraron en la galería de arte ubicada en la calle Antonia López de Bello 77, en el bohemio barrio Bellavista. Vega nació en el norte del país y Huenchuleo en el sur, regiones muy disimiles en cuanto a geografía. Aún así, el paisaje es el que los convoca, con sus características y puntos de atracción según el interés del artista.
Contestaron algunas preguntas en exclusiva para este medio.

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Torres de San Borja y Paseo Ahumada

"La niña que ríe", dibujo de Rubén Reveco

Este fue un dibujo que realicé en el año 1984. Por esos años intentaba ser un artista hiperrealista y creía que sólo era un asunto de tiempo para lograrlo. Gran error.

En esa época aprendí a admirar el trabajo de estos artistas que son mucho más que pulso y virtuosismo técnico. Para empezar, se requiere una gran fortaleza espiritual y gran capacidad de trabajo. Para continuar, buscar un tema que te identifique o identificar al tema con tu impronta. En este proceso hay que defenderse de los que te dicen "¡parece una foto!" Eso no es un halago para un hiperrealista (tampoco una ofensa).

Y por último, tienen que pelearse con todos los tontos que insisten que tu obra no representa el espíritu de la época; que no puedes estar meses trabajando en un dibujo; que eso es anacrónico, etc, etc.

Ser un dibujante o pintor hiperrealista no es para cualquiera. Por eso hay tan pocos.

Paseo Ahumada (1984)

Ricardo Maffei: "Creo que he logrado ser distinto a Claudio Bravo"

  


 Discípulo del artista fallecido en 2011, el chileno Ricardo Maffei heredó la técnica, pero no los temas. Hasta el 9 de febrero expone en Nueva York bodegones hechos en pastel sobre papel.

Por Denisse Espinoza (diario La Tercera, de Chile)

Ser aburrido es algo que preocupa al pintor Ricardo Maffei (58) y lo repite varias veces en esta entrevista. El peligro de serlo, sin embargo, es inminente cuando se está acostumbrado a pintar, como si fueran fotos, bodegones con elementos tan insulsos como un trozo de cemento o un vaso de agua. Maffei combate el aburrimiento con esmero, por eso puede demorar hasta dos días en armar una escena antes de pintarla. “Ocupo sólo dos o tres elementos para no saturar el cuadro, pero si estos no los colocas bien pueden resultar muy aburrido”, dice.

Aunque, tal dificultad es más bien una opción: hace varios años que el artista desterró la belleza tradicional de sus pinturas. “Podría pintar un florero o unas telas finas, pero me parece fácil y aburrido. Son los elementos simples que pasan inadvertidos a las personas los que me interesan. Lograr extraer belleza de eso, a través del soporte, es mi desafío”, dice Maffei.

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José Pedro Godoy expone en el Museo Nacional de Bellas Artes

El pintor de 30 años, uno de los artistas mejor cotizados de la escena local, exhibe por primera vez en la pinacoteca nacional. Desde el 6 de diciembre mostrará cerca de 50 cuadros recientes, que revelan sus referencias al arte clásico, pero también su obsesión con la cultura pop: el animé, las teleseries, la publicidad y sobre todo, el cuerpo masculino.

Por Denisse Espinoza

José Pedro Godoy (1985) repite varias veces la palabra seducción en esta entrevista. No sólo al referirse a la atracción que quiere provocar en quienes contemplan sus cuadros, sino también en la propia fascinación que siente con el ejercicio de crear una obra. Desde los 20 años está dedicado exclusivamente a pintar, y reconoce que no sabría hacer otra cosa. “Nunca he dejado de pintar más de dos semanas. La pintura me da orden, tranquilidad. Si no vengo al taller, me aburro”, dice.

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Inaugura Ricardo Maffei

"Me preocupa ser un artista conectado con mi tiempo" expresa Ricardo Maffei, pintor realista. El discípulo de Claudio Bravo abre mañana una muestra en galería AMS Marlborough, de Santiago de Chile, tras siete años sin exponer.

Entrevista del diario La Tercera

Si hubo alguien que creyó a pie juntilla en el talento de Ricardo Maffei (1953), antes incluso que él mismo, fue su padre Eugenio. Fue él quien lo animó en todo momento: a los 12 años cuando era sólo “el artista” de su curso, lo inscribió en un taller con Mario Toral y a los 20 cuando vio que los seis meses en la Escuela de Bellas Artes no habían dado resultados, pero que su hijo seguía dibujando con todas las ganas, Maffei padre le dio un ultimátum: “Pongámonos las pilas mijito, mire que usted lo único que sabe en la vida es pintar, pero tiene que aprender de técnicas”, recuerda hoy el hijo artista. Fue su padre quien lo llevó al taller de su amigo, el pintor Miguel Venegas, que había sido maestro de Claudio Bravo, a quien Ricardo Maffei ya admiraba. “Un día llegué con un recorte del diario donde aparecía una pintura de Claudio, era un traje de motociclista de color naranjo. Le dije a mi papá: ‘mire esto está increíblemente pintado, algún día me gustaría lograr algo como eso. Fue entonces que mi papá decidió ir a Europa”, cuenta Maffei.

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Nicolás Radic y sus "modelos poco atractivos"

Nicolás Radic es un pintor chileno que inaugura en Santiago de Chile. El diario La Tercera le realizó esta entrevista que reproducimos.

Estudio de materiales es la muestra individual del artista, que se inaugura el 16 de noviembre en la Galería XS. El artista de 32 años, lleva una década pintando bolsas, aluminio o chatarra: objetos que para otros son basura.

Entrevista de Constanza Troncoso - Diario La Tercera

Chatarra: autos, refrigeradores, cocinas, fierro, plástico. Montañas de chatarra que se amontonan en cerros de más de 20 metros de alto, uno al lado de otro, en un universo colorido de desechos que parece interminable. En la fundición de fierro Gerdau Aza en la comuna de Renca, Nicolás Radic (32) se pasea como un arqueólogo buscando tesoros. “La gente al principio no entiende muy bien porqué estoy tan entusiasmado con su basura”, explica. Radic ha dedicado 10 años al estudio de materiales, a exponer elementos industriales brillantes- como el aluminio, el cobre o el plástico- a distintas condiciones de luz, para convertirlos a través de su pintura en objetos bellos, en modelos válidos para hacer arte. En su propio comedor, cuelga la imagen de una bolsa plástica azul de casi dos metros de alto. “De a poco también los demás se entusiasman y empiezan a mostrarme cosas: “¿Y esta? ¿No te tinca?”, le preguntan.
Una chatarra de cuatro colores, con un morado brillante al centro, centellea en la cima de una de las montañas. Radic la vislumbra a lo lejos, contempla la idea de trepar hasta ella, pero la descarta imaginándose aplastado por un cerro de basura. Uno de los trabajadores de la fundición que lo observa hace señas para que se acerque la grúa, que alcanza el elemento y lo deposita justo al lado del pintor: “La chatarra se transforma en pintura y la pintura se expone en una galería o en un museo; algo que iba a desaparecer, queda registrado para siempre. A eso yo le llamo rescate”.

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Guillermo Lorca: “A la pintura la dieron por muerta"

“Casita de dulces II”, una de las obras más impresionantes (en el sentido amplio de la palabra) del artista chileno.

Influenciado por el barroco, con visos de romanticismo, el pintor realista chileno se refiere a su obra, las bienales y al panorama de las artes plásticas en general en esta entrevista exclusiva. “A la pintura la dieron por muerta”, dice.

Por Camila Reveco. Diario Los Andes, Mendoza, Argentina.

La obra del chileno Guillermo Lorca García-Huidobro (30) es un testimonio más de la permanencia y obstinación de un estilo de hacer arte: el realismo; que ofrece múltiples modos de ser abordado y se abre paso entre las variadas manifestaciones contemporáneas para “clavar su bandera”.

Los pintores jóvenes actuales se nutren del pasado, van a los museos, estudian la obra de clásicos como Francisco Goya, Eugenio Delacroix o Théodore Géricault y la recrean desde una visión más intimista -como en el caso de Lorca-, pero siempre con ese despliegue técnico del que pocos pueden hacer gala. 

Muchos de estos artistas buscan afuera lo que no encuentran en los ámbitos universitarios más preocupados por emular la moda “de lo efímero” que viene de Europa o ciudades como Nueva York. “Tenía discrepancias irreconciliables con varios profesores”, comenta el pintor.

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Entrevista a Thomas Daskam

El realista más puro que pisa suelo chileno no entiende a los artistas que hacen una exposición una vez al año. “La última mía fue hace más de dos décadas”, dice. Esta, la primera entrevista que concede desde aquella época, contiene imágenes ineditas de este pintor con visos de ermitaño, retratos realizados por su mujer, la fotógrafa Paz Errázuriz.

Entrevista revista Cosas

Thomas Daskam McKimmey, dibujante, pintor y fotógrafo. Nació en Tulsa, Oklahoma, Estados Unidos, el 13 de noviembre de 1934. Llegó a Chile en 1957 junto a su padre quien trabajaba en la embajada de Los Estados Unidos. Realizó estudios de Diseño y Arte Comercial en Cleveland, Estados Unidos. En 1967 fue invitado a estudiar por un semestre, al City College de Nueva York, Estados Unidos. En Chile ha desarrollado una carrera artística en forma autodidacta y ha realizado proyectos de publicaciones para medios chilenos, destacando entre ellas su colaboración con la Revista del Domingo del diario santiaguino El Mercurio.

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Alejandra López Riffo: "Sobrevuelo" y el arte de dibujar

Alejandra López Riffo, dibujante chilena que expone en la galería de Antonia López de Bello 77, Barrio Bellavista, Santiago.

Hoy por hoy -como están las cosas en el mundo del arte- llama profundamente la atención que jóvenes artistas perseveren en solitario en valores que han sido intrínsecos al arte desde el comienzo de los tiempos.
Alejandra López Riffo es una y nos ofrece un arte simple y bello construido con calma, reflexión y talento.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Cuando yo estudiaba (el que escribe) todavía existían resabios de academia. Nos enseñaban a dibujar con modelo en vivo y nos sometían a un estricta disciplina que dio una camada de importantes artistas, quizá la última... Después vino el reinado de la estupidez y nada fue lo mismo.

Desde hace 30 años muchos artistas chilenos han optado por marginarse de las facultades de arte y formarse de modo propio; de una forma casi autodidacta. El que quiera ser un pintor, dibujante, escultor o grabador de nada le sirve un actual programa educativo que prioriza varias tendencias (conceptualismo, video arte, performance, instalaciones...) en las cuales no se pone en juego eso tan propio de cada artista: el talento. 
Entonces, los estudiantes fuera del sistema, optan por ubicar a un maestro y asistir a pequeños talleres en los cuales enseñen el oficio de ser artista.

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Claudio Bravo y el realismo en Chile

"Bacanal", de Claudio Bravo.

En junio de 2011 murió Claudio Bravo, el pintor realista chileno de más prestigio en el mundo. Tiempo atrás se había realizado una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes, de Santiago de Chile. El éxito de la exposición fue tan arrollador que el diario El Mercurio publicó un extenso artículo en el que se preguntaba por qué el realismo (un estilo despreciado por los “especialistas latinoamericanos”), generaba tanta pasión y tanta convocatoria en el público.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

A propósito de una exposición de Claudio Bravo

Para comprender este fenómeno, primero habría que entender porque este país, al igual que el resto de Latinoamérica, ha gastado tantos esfuerzos en copiar lo que estaba pasando al otro lado del Atlántico, imitando un producto cultural foráneo y ajeno a su propia realidad. Salvo excepciones como Roberto Matta, David Alfaro Siqueiros, Candido Partinari, Wilfredo Lam y otros, que nutrieron a su obra de raíces indígenas, el resto siempre ha copiado, a medias o mal. A comienzos del siglo XX, cuando  América Latina se insertaba tímidamente en el contexto cultural del mundo occidental, era cuando en Europa se dejaba de hacer arte realista.

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CHILE: 10 pintores realistas

En Chile, todos los pintores realistas de la segunda mitad del siglo XX son herederos de Claudio Bravo, ese artista que hacía hiperrealismo cuando aun no se inventaba.
Estos artistas no son muchos ya que no es fácil ser un buen realista. La mayoría ha vivido el "exilio artístico" buscando la oportunidad que en su propia tierra se le ha negado.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

Autorretrato de Claudio Bravo (1954)

Chile es un país contradictorio. Por un lado es una sociedad relativamente tradicional y por otro, una élite cultural presume de vanguardista y esta siempre atenta a imitar lo que sucede en Europa o Estados Unidos. En este contradictorio ámbito se mueven los pintores realistas tratando de hacer comprender a directores de museos, galerías, facultades de arte, críticos que -mientras al arte se lo relacione con el talento- el realismo sigue siendo tendencia. Esto que es básico, a muchos les cuesta comprender...

Después de pedir mucha ayuda y consultar mis apuntes, he logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores figurativos, surrealistas o hiperrealistas de Chile. Todos de la gran familia realista.

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